영화의 포스터에는 얼굴을 뒤덮을 정도로 문신을 한 브라이언(제이미 벨)이 있다. 문신들은 그가 속한 백인우월주의 조직의 우월성을 표현하거나 그가 조직을 위해 행한 일들을 기록한 것으로 조직에서 일종의 훈장인 셈이다. 그의 얼굴을 뒤덮은 문신만큼, 브라이언은 조직을 위한 일들에 열심이었다. 가정폭력을 일삼는 아버지로부터 벗어나고 싶던 어린 시절, 빈랜더스라는 이름의 이 조직에 들어오게 되었고 먹여주고 키워준 그들을 가족이라고 여겼기 때문이다.백인우월주의라는 이념을 행동의 근거로 삼고 살아가던 브라이언은 우연히 만난 줄리(다니엘 맥도날

의 기세는 분명했다. 지난해 칸영화제 황금종려상을 시작으로 올해 초 오스카 4관왕까지. 감히 누가 예견이나 했을까. 심지어 전세계 글로벌 흥행 수익이 대략 3,000억 원으로 대박을 터트렸다. 지금까지도(20.03.20 기준) '역대 최고', '최초' 등의 수식어들이 앞에 줄을 선 상태다. 사실 필자의 경우 봉준호 감독을 생각할 때, 인상적으로 다가오는 것은 '그가 작가이면서 동시에 대중영화 감독'이라 불리는 경우다. 또 천만 관객이 본 작품을 만든 감독까지. 그의 존재는 전세계를 둘러봐도 유일무이하다.알다시피

생각한다. 고로 존재한다. 데카르트의 명제는 '나'라는 자아의 존재가 존재한다는 것을 가장 잘 설명하는 문장이다. 하지만 데카르트의 코기토는 타인의 존재를 말하기 힘들다. 내가 생각하는 것에 대해선 스스로 확인 가능하지만 타인이 스스로 생각하고 있다는 것을 어떻게 증명할 것인가. 물론 인식론의 발달로 인해 이 문제는 수많은 철학자들이 발전시키고 보완되었지만, 결국 질문은 남는다. 타인의 존재에 대해 '나' 만큼 확고하게 믿을 수 있는가.는 그에 관해 묻는다. 타인을 믿을 수 있는가. 세상 사람들은 말한다. 사랑하니까 믿는다

는 유명 로펌의 변호사 롭 빌럿(마크 러팔로)이 시골 농부 윌버 테넌트(빌 캠프)의 의뢰를 받아 거대 화학 기업 듀퐁의 진실을 파헤치는 실화 바탕의 영화이다. 나는 이 영화가 어색했다. 보통의 영화 같지 않았기 때문이다. 에서는 '이 부분에서는 인물이 이렇게 행동할 것 같은데', '사건이 이렇게 전개될 것 같은데,' 하는 예상이 빗나가는 경우가 많았다. 내게 이러한 경우들은 클리셰를 비트는 효과로 다가오기보다는 자연스러움을 방해하는 요소로 작용했다.특히 이제 막 로펌 내에서 중요한 역할인 '매니저 변호사

"모두가 자기 목소리를 낼 수 있게 하려고 노력했다. 우리와 의견이 다른 이들의 말이라도 (...) 그들이 영화를 보면 '맞아, 저게 내 시각이야'라고 생각할 수 있게 하고 싶었다"미국에 진출한 중국 기업이 입지를 다지는 과정을 담아낸 다큐멘터리 감독의 기획 의도다. 영화는 어느 쪽에도 저당 잡히지 않은 채, 객관적인 시선을 견지하며 여러 담론을 제시한다. 쉼 없이 달려온 산업화 시대를 거쳐 글로벌을 넘어선 '글로컬(Glogal)'의 다문화 시대, 그리고 이미 우리 앞에 도래한 산업 자동화의 물결은 이 영화 속

독재와 전쟁의 터에서의 비(非)가시성은 '죽음'과도 같다.히틀러 독재 시대를 배경으로 한 은 '크리스틴 뢰넨스'(Christine Leunens)의 소설 (Caging Skies)를 영화화시킨 작품이다. 영화의 미덕 중 하나인 '가시성'을 이용하여 '비가시적'인 요소를 드러내고, 반대로 '가시적'인 것들을 숨겨 그간 '보이지 않았던 것'들에 대해 질문한다. 철학자 자크 랑시에르는 '예술은 항상 부재의 현재'라고 이야기한다. 예술, 그러니까 영화는 말과 이미지들의 결합 혹은 분리를 통해 비가시적인 것을 보여준다

생각한다 고로 존재한다. 근대를 알린 데카르트의 이 명제는 여전히 유효한 듯 보인다. 이성이 없는 사회를 어찌 상상할 수 있다는 말인가. 하지만 현대로 넘어오며 이성보단 오성과 다양성, 무의식 제3의 세계와 서브컬쳐, 문학과 장르문학의 교접 등등등. 셀 수도 없지 많은 장르, 문화적 경계가 무너지면서 현대에 이르렀다. 포스트 모던이란 이름조차 낡아버린 지금 이성의 위치는 어디에 있는 걸까.(원제 J’ai perdu mon corps)는 제목부터 강하게 뇌를 때린다. 단순히 문학적 수사로서 쓰는 말이 아닌 진짜 뇌

쿠엔틴 타란티노 만큼 색이 분명한 감독이 있을까. 맛깔나는 대사, 기막힌 플롯, 통쾌한 카타르시스. 타란티노 영화를 보러 온 관객들은 자연스러운 기대감을 가지게 된다. 그런데 타란티노의 9번째 작품인 는 그의 이전 작품들과는 조금 다르다. 탁월한 플롯으로 관객을 감탄하게 만들지도 않고, 유혈이 낭자하지도 않으며, 직접적인 복수극이라고 보기에도 어렵다. 이런 이유로 타란티노의 팬들 중 일부는 에 실망을 하기도 한다.타란티노는 왜 평소 그의 영화에 비해 이질

'예술은 정치적이다'은 이 명제를 가장 잘 증명하는 영화다. 예술은 존재 그 자체로 정치적이다. 여기서 '정치적'이라는 말은 정치적인 소재만 의미하지 않는다. 예술의 정치성은 그 형식에도 있다. 현대미술의 거장이 된 게르하르트 리히터(Gerhard Richter)의 일대기를 그린 이 영화는 사실주의와 모더니즘(혹은 포스트모더니즘), 사회주의와 자본주의 사이에 선 실존 작가가 '예술'은 무엇인가에 대한 답을 찾는 이야기다.당시 예술계는 회화의 종말을 고했을 시기로 추상표현주의, 팝아트, 모노크롬 회화 등 모더니즘에서 포스

넷플릭스 제작 첫 번째 애니메이션 영화(이하 영화), 에 대한 소개로 가장 적절한 첫 문장이 아닐까. 아니면 디즈니, 픽사, 드림웍스, 블루스카이 등 거대 스튜디오에서 벗어난, '직접 손으로 그린 2D 애니메이션 작품'이라고 표현하면 어떨까. 그렇지만 는 과거 디즈니(클래식)가 보여온 전통적인, 또 고전적인 방식의 애니메이션 영화와는 다르다. 또 2D를 3D처럼 보이려는 시도 역시 존재하지 않는다. 어쩌면 2D의 기술적 한계를 극복하기 위함이 아닌 관객에게 2D를 유지한 채 이야기를 전달하려는 듯 다가온다. '

영화를 보고 나면 가 제목처럼 대결구도를 지닌 이야기라는 것을 확인할 수 있다. 그러나 영화가 누구와 누구의 대결인가에 대한 생각은 관객마다 다를 것이다. 제목 그대로 포드와 페라리의 대결로도 볼 수 있고, 포드 레이싱 팀과 대기업 포드 간의 대결로도 볼 수 있으며 스스로의 한계와 대결하는 레이서 켄의 도전 이야기로 보는 것 또한 가능하다.관객들 중 한 명인 내가 보기에, 이 영화는 개인과 자본주의 간의 대결이다. 영화에서 개인을 대표하는 것은 두 주인공 캐롤 셸비(맷 데이먼)와 켄 마일스(크리스찬 베일)이다. 그

영화는 레닌그라드 전투 1년 후, 처음으로 맞는 가을을 배경으로 시작한다. 전장의 상처가 아직 아물지 않은 사람들이 살아간다. 영화 안에는 죽음의 냄새가 후유증처럼 남아있다. 회색빛으로 그려지는 도시에는 생동감이란 없고 답답함(클로즈업)과 혼돈(사운드)뿐이다. 이 혼돈 속에 이야와 마샤가 있다.두 주인공 이야와 마샤는 참전 군인이다. 레닌그라드 전투에서 살아남은 둘은 생을 이어나가기 위해 군 병원에서 일한다. 하지만 일은 쉽지 않다. 문제는 일 자체의 고됨이 아니다. 전쟁의 후유증이 문제이다. 전쟁에서 부상을 입은 군인들. 마음과

영화의 시작, 우디의 친구인 RC카가 빗물에 떠밀려가기 일보 직전이다. 아슬아슬하게 친구를 구하는 데 성공한 우디와 친구들. 엎친 데 덮친 격. 갑자기 등장한 한 남성이 앤디의 엄마와 몰리로부터 보핍과 양들(램프)을 건네받는다. 그리고 상자에 넣어 차에 실으려는 찰나. 그는 집에 키를 놓고 온 듯 다시 앤디의 집으로 돌아간다. 그 순간 보 핍과 양들을 구하기 위해 등장한 우디. 그러나 보는 이렇게 말한다. "이제는 다음 아이의 차례야. 매일 장난감을 잃어버리는 아이는 많아"라고. 그렇게 우디는 생각지도 못한, 차마 준비하지 못한 이

이 영화의 '뻔하지 않음'은 뻔하다. 비선형의 플롯, 소재의 힘이 다할 때쯤 등장하는 강력한 배우, 영화를 '뻔하지 않게' 만들어주는 뻔한 장치이다. 그러나 이 영화는 뻔하게 읽히지 않는다. 어디서 본 듯한 느낌이 있어도 식상하지 않다. 지루하지도 않다. 개연성이 부족한 부분들이 있어도 그다지 거슬리지 않는다. 재미있는 영화라고 말하기에 충분하다.담백하기 때문이다. 은 뜸을 들이지도 않고, 괜히 분위기를 잡지도 않는 '쿨한' 영화다. 은 쿨한 목소리로 자본주의의 출구

아픔은 소재가 된다. 나는 특히 소설을 쓰거나 이야기를 만드는 사람들에게 이러한 이야기를 많이 들었다. 이는 곳 아픔은 이야기가 된다는 의미일 것이다. 자신이 겪은 사연을 예술로 승화시키는 것. 예술가는 이 굴레에서 피해갈 수가 없나 보다. 이걸 예술적 비장미라고 표현할 수 있을까. 글의 첫 시작부터 이렇게 갑작스럽게 이야기하는 건 오늘 말하고자는 영화 가 딱 그러한 이야기이기 때문이다.이 영화는 감독의 자전적 이야기로 보인다. 그것도 노골적으로. 영화감독이 주인공이라는 설정부터 시작한다. 영화는 진행될 수록 한

을 보고 나니, 나의 어린 시절이 생각났다.우리 외갓집은 오래된 시골집이다. 7형제 온 가족이 모여 식사라도 할 때는 언제나 앉을 자리가 부족했기 때문에 텔레비전이나 보면서 내 순서를 기다려야 했다. 제일 먼저 식사를 하는 그룹은 할아버지, 할머니 그리고 외삼촌, 이모부들이었다. '아, 장유유서(長幼有序)인가'라며 납득하고 이후에는 남은 어른들, 그러니까 나의 엄마와 외숙모, 이모들의 식사를 예상하지만 다음 자리를 채우는 이들은 언제나 나의 남자 사촌 형제들이었다. 온 가족의 식사를 챙기느라 정신없었던 여성 어른들은

딱 세 번째 관람을 끝내고 나오면서, 분명 '다른 관점과 태도'가 필요함을 절실히 느꼈다. 다름 아닌 에 대한 필자가 이 영화를 대하고자 하는 할 때의 각오, 그러니깐 이 영화가 현재 홍보‧마케팅, 예고편, 수많은 블로거, 유투버, 기자들의 프리뷰‧리뷰까지 '촬영 기술의 성취'의 극찬만을 앞세우는 상황에서 적어도 필자는 그것을 제외한 이야기를 해야 할 나름의 경각심을 가졌다는 의미다.이에 배명현 에디터는 "은 새롭지만 새롭지 않다. (...) 의 특징이 롱테이크일 수는 있지만, 성취가 롱테이크일 수는

아픔을 가진 자들이 산다. 누가 그렇지 않겠냐만 이 마을, 그러니까 다니엘이 소년원을 나와 신부님 행색을 하고 다니는 이곳에는 마을 인원이 공통으로 가지고 있는 고통이 있다. 공통의 고통. 한마을에 살던 젊은이 여섯이 차를 타고 가다 마주오는 차와 사고가 난다. 총 일곱 명의 사망. 이 죽음으로 인해 마을은 사건의 이전으로 돌아갈 수 없는 아픔을 가지고 있다.이 고통은 어떤 고통인가. 죽은 여섯 아이들의 부모가 마주 오는 차를 경멸하고 끔찍하게 분노한다. 이 분노의 화살은 마주 오는 차의 주인을 넘어 그의 동반자인 부인을 향한다.

There are some natures too noble to curb, too lofty to bend."어떤 천성들은 억누르기엔 너무 고결하고, 굽히기엔 너무 드높단다."로 번역되는 이 문장은 도시 생활에 지쳐 돌아온 주인공 '조 마치'(시얼샤 로넌)에게 어머니 '마미 마치'(로라 던)가 해주는 말이다.같은 국가, 같은 지역, 같은 집에서 같은 성별로 같은 부모에게 태어나 길러진 작은 아씨들이 그렇듯, 우리는 동일한 물리적 세계에서 살아가더라도, 각자 그 세계를 다르게 경험한다. 이것이 각자의 선천적인 어떤 'nature' 때

지금, 알레포2011년 아랍의 봄을 시작으로, 시리아에서는 바샤르 알 아사드(Bashar al-Assad) 대통령(이하 '아사드 대통령')의 장기집권에 대항하는 비폭력 시위를 진행한다. 이 과정에서 시리아 정권의 무자비한 진압은 수많은 희생자를 낳았다. 아사드 대통령은 2014년 연임에 성공하면서 현재까지 장기집권을 이어가고 있다. 여기에 시리아 정권의 편에 선 러시아와 저항군의 편에 선 미국의 정치적 관계가 더해지고, 이슬람교의 수니파와 시아파의 종교적 갈등 양상으로까지 흘러가면서 시리아 내전을 둘러싼 이해관계는 한층 복잡해졌다.